La crisi climatica e ambientale è stata riconosciuta ufficialmente dal Governo Britannico nel Maggio 2019.
Gli scienziati stanno tracciando grafici del passato e del presente nel tentativo di dare una forma al futuro.
Alcune funzioni matematiche mostrano che i trend che dipendono dal cammino dell’evoluzione umana.  Anche i filosofi, nell’ambito dei Future Studies, stanno speculando sugli scenari possibili del domani, sulla possibile estinzione umana, sulla morte della civiltà. In che modo e con quali strumenti possono l’arte, la filosofia, la performance, la sociologia affrontare l’urgenza del problema ambientale?
Come possiamo parlare della crisi climatica in un’ottica transdisciplinare?
In quali modi possiamo surfare sulla grande onda della catastrofe che si profila davanti a noi?
Come possiamo cambiare gli scenari futuri?
Da queste domande prende forma il talk Future Climate di Andreco, artista che negli ultimi 10 anni ha indagato attraverso la sua pratica e le sue performance aree sensibili a livello ambientale, tracciando segni e azioni nel paesaggio che intende come atti di sensibilizzazione e del risveglio della consapevolezza del nostro incerto e fragile presente.

Il talk sarà seguito da un’azione performativa.

Andreco (Roma 1978) unisce una formazione scientifica, conseguita attraverso un dottorato in Ingegneria Ambientale, collaborazioni post dottorato con Università di Bologna e Columbia University di New York sulle infrastrutture verdi per la gestione sostenibile delle risorse in diverse condizioni climatiche, con un percorso artistico che indaga i rapporti tra spazio urbano e paesaggio naturale, tra uomo e ambiente, realizzando progetti che vanno a comporre un’unica ricerca cross-disciplinare. Tra questi Climate Art Project, progetto tra arte e scienza sulle cause e le conseguenze dei cambiamenti climatici. Andreco utilizza un linguaggio di sintesi, simbolico e concettuale, servendosi di diverse tecniche di rappresentazione: installazioni, performance, video, pittura murale, scultura e progetti d’arte pubblica. Partecipa a mostre e festival a livello internazionale. Le opere di Andreco sono state esposte in manifestazioni artistiche istituzionali, musei e gallerie di tutto il mondo tra cui La Biennale di Architettura di Venezia (2018), La Triennale di Milano (2018), la Saatchi Gallery di Londra (2017), il Centro per L’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato (2017), il MACRO di Roma (2013-2018).

10-14 luglio 2019 | Milano DiDstudio / outdoor

Spin off 19 luglio

NAO Performing Festival compie dieci anni.

Vera e propria piattaforma di artisti che si distinguono per la vocazione interdisciplinare, NAO Performing festival, sotto la direzione artistica di Claudio Prati e la cura di Maria Paola Zedda, dà ogni anno voce a una pluralità di proposte nazionali e internazionali con performance, incontri, installazioni, proiezioni video e festeggia questo importante traguardo facendosi in tre; l’edizione 2019 si articola infatti in NAO Performing Summer dal 10 al 19 luglio, NAO Performing Festival dal 4 al 8 dicembre e miniNAO fest dal 14 al 15 dicembre.

Titolo di questa triplice edizione è ClimaX che connette il concetto di ascesa, climax appunto, con il tema del clima, riflettendo sulla crescita di una generazione di artisti che guarda alla performance come strumento che intercetta tematiche più ampie quali la riflessione sull’ecologia, sui cambiamenti climatici e sul futuro del nostro pianeta e indaga il rapporto tra arte, scienza e territorio.

Dal 10 al 13 luglio NAO PERFORMING SUMMER porterà queste riflessioni tra gli spazi del DiDstudio e la cornice outdoor della Fabbrica del Vapore, sino a coinvolgere altre sedi del panorama culturale milanese. La manifestazione evidenzia il suo ampio respiro internazionale grazie alla nuova relazione produttiva che DiDstudio ha instaurato con Pro Helvetia e Istituto Svizzero  per la circolazione transfrontaliera tra Svizzera e Italia di giovani artisti.

La serata di apertura, 10 luglio, è infatti dedicata alla produzione elvetica sotto il titolo SWISS NAO!: ai Giardini Indro Montanelli è in scena la compagnia Le Lokart con Argile, una performance itinerante che mette in relazione materiali naturali con il contesto urbano, formando un terzo paesaggio in movimento. Segue all’Istituto Svizzero la long duration performance Dusty Chewin Gum from Heaven di Ernestyna Orlowska, vincitrice di Premio, manifestazione e premio per il sostegno dei giovani artisti e performer che si svolge a Berna; un lavoro di grande impatto visivo in cui performance, arte, moda e design si fondono per la creazione di un set che indaga gli aspetti e gli spiriti fictional della cultura pop. Mettendo in discussione la natura del corpo umano, attraverso la musica, la danza e il canto, i performer si trasformano in sculture viventi, in un’atmosfera mistica, illogica e sensuale.

L’11 luglio Cie Twain presenta Alle Acque, lavoro che riflette sull’ecosistema, esplorando in diverse direzioni, il tema del corpo in relazione all’elemento dell’acqua.

Segue La teoria dello sciame intelligente di Movimento Danza, il cui concept si rifà alla teoria della Swarm Intelligence, ovvero alle intuizioni biologiche sulle incredibili capacità che insetti, stormi di uccelli, banchi di pesci hanno di risolvere problemi complessi grazie a una organizzazione senza organizzatore. Prendendo spunto dalla teoria biologica, la coreografia ne approfondisce per dare vita a uno “sciame coreografico”.

Il Festival continua con lo spettacolo Mutamenti della giovane promessa Isabella Giustina / Company Blu (12 luglio) sul cambiamento incessante della natura e quello impercettibile delle cellule e dei corpi.

Altra ospite della sezione estiva è il Premio Scenario 2017 Barbara Berti con la sua nuova produzione Golden Dream co-prodotta da Tanzfabrik di Berlino, in prima assoluta il 13 luglio, un trio sullo stato mentale del passaggio dalla veglia al sonno, con pratiche influenzate dalla meditazione e dal Dream yoga.

Evento speciale della giornata è l’intervento dell’artista Andreco, impegnato nella battaglia per l’ambiente e nella sensibilizzazione sul tema del cambiamento climatico con Future Climate, tappa di un vasto progetto di talk e performance nello spazio pubblico.

A corollario del festival si affianca la proposta formativa con la masterclass tenuta il 14 luglio da Barbara Berti.

Spin off del festival, la sezione NAO Crossing in cui saranno anche mostrati il lavoro della compagnia Estemporada Interferenze 1.0, e Point of View di Borderline Danza.

T.A.Z – Temporary Autonomous Zone

in collaborazione con Artichoke

Palco aperto alle proposte emergenti!

dalle ore 19.00 presso DiDstudio

PRIMA PROPOSTA

Improvvisazione delle allieve del Liceo Coreutico Pina Bausch – Danzando i colori

Danzatrici -Rebecca Amico, Sofia Bianchessi, Gaia Cecilia Buono, Alicia Dias, Letizia Lo Cicero, Marta Madera, Giulia Maino, Nicole Matula, Sara Merrone, Delilah Nalon, Greta Paladina, Aurora, Pasquali, Matilda Salmoiraghi, Aurora Maria Rosaria Sanguedolce, Elisa Trombin.

Ognuno di noi vuole essere originale, infatti non cogliamo di ogni colorazione la stessa tonalità, ma le sue diverse sfumature.
Ogni colore, con l’eccezione di quelli primari, è formato dall’ unione di uno o più colori… partendo da questo principio abbiamo sperimentato il contatto tra corpi danzanti…Come mi comporterei se fossi assenza di colori? E se, al contrario, fossi tutti i colori?

durata 10 minuti

SECONDA PROPOSTA

Improvvisazione WHAT DO WE DO – IMPROVVISAZIONE – Artichoke

Danzatrici: Valentina Citterio, Fiorile Di Stasi, Beatrice Guastalla

È un’improvvisazione che trae spunto dalle ricerche personali delle tre danzatrici intorno all’esigenza di muoversi entrando ed uscendo da schemi cari all’improvvisazione: la relazione con l’altro e con lo spazio, il senso del gioco, la possibilitá di creare e smontare strutture.

Durata: 10 minuti circa

TERZA PROPOSTA

Improvvisazione VOGLIAMO SOLO FUTURI INVEROSIMILI (Studio per un possibile trio) – Artichoke

Danzatrici: Valentina Citterio, Fiorile Di Stasi, Beatrice Guastalla

“Vogliamo solo futuri inverosimili” nasce dalla ricerca in movimento di tre giovani allieve al secondo anno di studio del percorso in formazione in danza contemporanea Artichoke.
Il lavoro parte da una ricerca del tutto personale sull’urgenza di trovare un segno nel corpo che racconti la danza come una forza, un impulso quasi primitivo, che cerca di slegarsi da qualsiasi forma, per viaggiare in modo autentico nel corpo e nello spazio.

Nella ricerca i risultati singoli e anche  l’esplorazione “privata” di ogni danzatrice hanno portato ad un terreno comune in cui poter riconoscere delle affinità semantiche: nei corpi esigenti, a volte impigliati nel loro stesso muoversi e altre desiderosi di lasciarsi andare ad uno spazio e tempo indefinito, insicuro, dove provare a trovare una relazione.

Di e con: Marina Bertoni

Dramaturg: Zeno Piovesa

Echo è quello spazio che si trova al limite tra il luogo dell’immaginazione e quello fisico nel quale l’interprete agisce. È un gioco di ruoli, una messa a servizio per evidenziare ambienti e situazioni, che si possono delineare e che possono emergere dal movimento dell’interprete in uno spazio vuoto. È uno studio che si affida a fattori fisici e climatici, alla memoria come capacità di rievocazione e all’ambiente, per dare sostanza a una gamma di scenari surreali, paesaggi suggestivi o semplici flussi schizofrenici di immagini che rimbalzano da un fuori a un dentro e viceversa.
Nella quotidianeità, in un continuo conflitto di poteri e d’interessi, di circostanze che sfiorano la finzione e di fantasie che assumono sempre più peso, siamo spesso portati a costruire ambienti paralleli e invisibili nei quali accomodarci. Ci troviamo costantemente in un limbo tra suggestioni elaborate dalla mente e spazi in continuo mutamento e riassetto. In Echo, al corpo non resta altro che appellarsi alla sua intelligenza e alla sua capacità di definirsi in relazione alle contingenze, per porsi come elemento tramite, filtro tra paesaggio interno ed esterno, cartina tornasole della moltitudine di situazioni e opportunità, che di volta in volta l’interprete può decidere di assecondare.
Si viene a creare un ambiente multiforme e in costante cambiamento e riassetto, nel quale l’occhio osservatore si presuppone che rimanga aperto e partecipe. Non vi è una chiave di lettura, se non una richiesta di mantenere ampi orizzonti prospettici su suggestioni e input, su realtà invisibili, che evidenziandosi, definiscono e plasmano i punti di vista. Forse sarà come sfogliare un erbario, un manuale d’alchimia, un bestiario medievale, un’enciclopedia o solo colori profumi sapori o analitici fotogrammi di un tempo presente, o ancora sarà come passeggiare in una foresta o in una città fantastica.

BIOGRAFIA

Nata a Modena nel 1995, Marina Bertoni si diploma nel 2017 come danzatrice presso la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano dove ha l’opportunità di formarsi con coreografi di fama nel panorama della danza contemporanea. Attualmente lavora come danzatrice con diversi coreografi e su progetti di varia natura. Come performer ha collaborato con video maker e artisti visivi all’interno di gallerie d’arte.

Nel suo percorso hanno una grande importanza la pratica del ki-aikido, arte marziale che mira all’armonia tra mente e corpo, e del metodo Monari, finalizzato al riequilibrio della catena muscolare.

INFO E PRENOTAZIONI – info@didstudio.org / 023450996

BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti

PNEUMATIKA

Coreografia e concetto Luna Cenere
Visual artists: Gilles Dubroca e Andrea Maioli
Musiche originali Gerard Valverde Ros
costumi Danilo Rao
Management e Promozione : Domenico Garofalo
Coproduzione  Interno5 e Ariella Vidach- AIEP- Avventure in Elicottero Prodotti
Sostegno alla Produzione Virgilio Sieni / Centro Nazionale di Produzione
Vincitore dei bandi  KOMM TANZ progetto residenze Compagnia Abbondanza/Bertoni e NAOcrea
Ospitata dalla Compagnia Maqamat Dance Theatre in Beirut
in residenza presso l’Istitut français – Deir El Quamar con il sostegno dell’Istituto Italiano di Cultura-Beirut, MIBACT
Ringraziamo Hannah Doyal per la revisione del testo in lingua inglese.
Video utilizzati sotto Licenza Attribuzione di Creative Commons: Freestocks, Anne Macksoud,OpenEarth, Sustainable Human, 350.org, European Commissionn

Testo in Italiano tratto e ispirato dal libro ‘Il codice dell’anima’ scritto da James Hillman

La parola ‘pneuma’ ha assunto nel tempo diversi significati. Originariamente legata al concetto di soffio vitale e letteralmente tradotta con ‘composto d’aria’, ha attraversato la storia evolvendosi. Oggi il termine rimanda a un principio meccanico a cavallo tra l’ambito dell’invisibile e la sua manifestazione fenomenica. Un principio che si manifesta come una pulsazione o una vibrazione alla quale tutti gli elementi dell’universo si accordano. Un moto perpetuo la cui struttura si ripete all’infinito e al cui interno avvengono mutazioni. La fascinazione scaturisce dal dialogo tra corpo-spazio-tecnologia il cui comune denominatore è il costante mutamento, la ciclicità  in piccola e larga scala, la materia e la sua componente invisibile..

Bio Luna Cenere

Danzatrice e giovane autrice di Napoli. Laureata presso la SEAD,(Austria) è stata ospite della compagnia ‘SEAD Bodhi Project’ nelle creazioni di Anton Lacky (Anton Lacky Company) e Josef Frucek (Rootlessroot). Ha lavorato con Simone Forti, Anton Lacky, la Compagnia Agitart e Jean Abreau. Membro della Compagnia Virgilio Sieni. Autrice di: ‘Kokoro’, selezionato da ‘Aerowaves Twenty18’, dalla ‘Vetrina della giovane danza d’autore-Azione del Network Anticorpi XL 2017 e Vincitore del Premio Per La Migliore Coreografia del’ Solocoreografico 2017 ‘;‘Twin’ selezionato dalla ‘Vetrina della giovane danza d’autore-Azione del Network Anticorpi XL 2018’; ‘Natural Graviation’ tributo a Isadora Duncan commissione e produzione del Ravello Festival 2018 e Compagnia Körper; e ‘Pneumatika’.

Insegnante certificata presso la SEAD, conduce laboratori di ricerca sul movimento, e improvvisazione

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BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti

THE ANGULAR DISTANCE OF A CELESTIAL BODY

Ideazione, coreografia e impianto visivo | Alessandro Carboni
Performer | Ana Luisa Novais Gomes e Loredana Tarnovschi
Costumi | DEM . Musiche | Danilo Casti . Assistenza | Chiara Castaldini
Organizzazione | Francesca Divano . Video documentazione | Flatmind
Produzione | Formati Sensibili 2018
Con il sostegno di Città delle 100 Scale Festival; ATER – Circuito Regionale Multidisciplinare Santarcangelo Dei Teatri; H(abita)T – Rete di Spazi per la Danza / Sementerie Artistiche
L’Arboreto – Teatro Dimora Mondaino

The Angular Distance Of A Celestial Body è una riflessione trasversale sul processo cartografico inteso come “rappresentazione ridotta della superficie terrestre e dei fenomeni che su di essa si osservano e si svolgono” in cui l’azione performativa sostituisce il corpo al segno grafico della mappa nel tentativo di riappropriarsi criticamente della complessità del mondo e rivendicare l’impossibilità di una sua riduzione.

Sul pavimento una struttura geometrica modulare si contrappone alla tensione verticale di due corpi senza identità, privi di genere, simmetrici, speculari – ma mai identici – e al contempo ne è la proiezione sul piano orizzontale, a trasporre in chiave figurativa la costante tensione verso un ideale controllo del mondo e la sua effettiva inattuabilità. I costumi “spezzati” che avvolgono i corpi raccontano la disomogeneità del caos-mondo, la non continuità tra gli oggetti. Sono i travestimenti di un carnevale traslato, strumento simbolico che destruttura l’ordine costituito per indagare forme di discorso non articolabili e renderle visibili attraverso il rituale della rappresentazione. Il suono segue e guida l’azione, scandisce la ritmica interna del movimento, delinea un orizzonte mutevole, in divenire, e mette in relazione la dimensione numerica – cartografica – del mondo e un paesaggio archetipico, organico, analogico che descrive e misura senza contemplare il numero.

Il lavoro condensa sulla scena il percorso di ricerca intrapreso da Alessandro Carboni negli ultimi dieci anni e segna un passaggio necessario dall’imprevedibilità delle dinamiche indagate dall’artista nello spazio urbano alla determinatezza della partitura scenica, dal processo alla rappresentazione. E’ la narrazione immaginifica del potenziale sotteso alla creazione artistica, capace di mettere in discussione le categorie di pensiero e aprire lo sguardo a nuove percezioni del reale. Una dichiarazione di incertezza che diventa possibilità.

Alessandro Carboni è un artista interdisciplinare, performer e ricercatore. Le sue ricerche teorico-pratiche esplorano delle relazioni tra corpo, spazio urbano e cartografia, che si traducono in reportage performativi composti da situazioni esplorate e accumulate negli spazi urbani sotto forma di mappe corporali. Ha presentato numerosi progetti di ricerca, mostre, performance presso festival, musei e gallerie in tutto il mondo. Negli anni ha sviluppato EM Tools for urban mapping and performance art practice, un metodo di composizione coreografica che utilizza il corpo come strumento di mappatura di eventi urbani nella loro estensione geometrica e temporale. Attualmente lavora come artista indipendente ed è direttore artistico della casa di produzione indipendente Formati Sensibili.

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BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

JENGA

Sound Design Yuri Mari

Coreografia Loredana Tarnovschi

Jenga è un gioco da tavolo per qualsiasi età. Il nome del gioco è tratto dalla lingua swahili; Jenga significa “costruisci!”

I bambini utilizzano queste torri verticali fatte da pezzi di legno per imparare la fisica e la gravità e per comprendere come funziona l’equilibrio.  Nell’entrare e uscire dalle forme e nell’analizzare il bagaglio di movimenti del proprio alfabeto segnico, si realizza in scena un gioco coreografico. Lo Jenga diventa così un principio di trasformazione, una modalità compositiva che porta alla scoperta del movimento e del gesto, che si apre in modo apparentemente inconsapevole alle sollecitazioni del presente.

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biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti

L I N E – S

Ideazione, danza, sviluppo grafico/video: Alessia Della Casa
Musica: Jan Jelinek
Produzione: VEICOLO DANZA

L I N E – S esplora l’eco narrativo di poche linee accostate e composte, incrociate e tolte, e del loro effetto evocativo in sovrapposizione al corpo. Indipendentemente dal grado di astrazione, in una sequenza di eventi, simboli o immagini, un filo narrativo manifesta la volontà innata di decodificare, leggere, interpretare ciò di cui facciamo esperienza, e il desiderio di sviluppare con esso un sentimento di familiarità e appartenenza.

L I N E – S vuole cercare nell’antagonismo tra codici e non-forma, per traslare i simboli dal loro significato e ricodificare il nostro percepire visivo. Una partitura antitetica per corpo astratto.

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BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti

HARLEKING

di e con: Ginevra Panzetti, Enrico Ticconi
sound design: Demetrio Castellucci
light design: Annegret Schalke
direzione tecnica: Paolo Tizianel
costumi: Ginevra Panzetti, Enrico Ticconi
promozione: Marco Villari
video: Ettore Spezza
illustrazioni e grafica: Ginevra Panzetti
con il sostegno di: VAN (IT) // Tanzfabrik, Berlin (DE) // PACT Zollverein, Essen (DE) // NAOcrea – Ariella Vidach
AiEP, Milano (IT) // KommTanz – Compagnia Abbondanza/Bertoni, Rovereto (IT) // L’arboreto – Teatro Dimora,
Mondaino (IT) // AtelierSì, Bologna (IT)
altri supporti: Cronopios – Teatro Petrella, Longiano (IT) // Vera Stasi – Progetti per la Scena, Tuscania (IT)
// C.L.A.P. Spettacolo dal vivo, Brescia (IT) // Network Anticorpi XL (IT)
2018

HARLEKING è un demone dall’identità ambigua e multipla.
Ricorda l’Arlecchino della Commedia dell’arte, un servo furbo mosso dalle inclinazioni più animali e
un’inappagabile fame. Il linguaggio di HARLEKING ha una specifica qualità ipnotica in cui i contenuti, spesso
estremi ed opposti, si fondono in un sistema metamorfico fluido in cui tutto può accadere, ma che tutto confonde.
Affiora il ricordo di un’antica decorazione muraria, la Grottesca, in cui figure mostruose emergono e si confondono
tra eleganti volute ornamentali. Figure grottesche, capaci di muovere il riso pur senza rallegrare.

BIOGRAFIE

Ginevra Panzetti ed Enrico Ticconi vivono tra Berlino e Torino e lavorano insieme come duo artistico dal 2008. La
loro ricerca si sviluppa nell’ambito della danza, la performance e l’arte visiva. Approfondendo tematiche legate
alla storica unione tra comunicazione, violenza e potere, attingono ad immaginari antichi costruendo figure o
immagini ibride tra storia e contemporaneità.
Entrambi si diplomano presso l’Accademia di Belle Arti di Roma e frequentano la Stoa, scuola di movimento
ritmico e filosofia diretta da Claudia Castellucci.
Nel 2010 si trasferiscono in Germania e approfondiscono percorsi individuali ma reciprocamente complementari:
Enrico studia a Berlino Danza e Coreografia presso la Inter-University Centre for Dance (HZT), Ginevra arte dei
Media presso l’Accademia di Belle Arti di Lipsia, Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB).
Parallelamente ai loro progetti, Enrico lavora come danzatore per diversi coreografi tra i quali Kat Vàlastur,
Dewey Dell, Lea Moro, Adam Linder mentre Ginevra approfondisce lo studio come designer nel campo del
gioiello contemporaneo ed è autrice della linea Tegumenti.

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BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti

ASEMICA

Interprete e coreografa Annalisa Maria Morelli
Regia e Design Stefano Morelli
Produzione Ariella Vidach Aiep

“Tu hai creato una proiezione di un’altra me. Tu hai creato uno spazio senza ordine e senza tempo in cui cadere. Tu hai costruito un mondo che ha fondamenta nel movimento. Tu hai assegnato movimenti come flash di un’energia condensata in un corpo che esplode, liberato improvvisamente in dinamiche fluide rotolanti. Tu poi hai attimi che svaniscono lasciando quel corpo lì in uno stato di quiete. Tu sono io. Parlo con me stessa. E le parole non hanno più contenuto.”

Lo spazio scenico diventa il luogo per usare libertà impossibili altrove. Espressività e sentimenti nascosti nella realtà possono comparire improvvisati nei gesti di qualcun altro.
I movimenti sono rielaborazioni di gesti quotidiani che acquistano un senso rituale.
Ritualità e perciò ripetizione caratterizzano anche la musica. Chi guarda è travolto dalle immagini create dal movimento del corpo che sono fugaci e intense.
Il bianco invece è un espediente cromatico per manifestare l’assenza del contenuto e lasciare più parte al significato.
Perché niente va preso alla lettera.

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BIGLIETTI

biglietti: 7,00 euro interi, 5 ridotti

biglietti serata unica (due spettacoli o i lavori di durata di un’ora): 10 euro intero, 7 euro ridotti